Is—Land
Édition

par Élisabeth Lebovici (extrait)

[…] Maria Slautina conclut ainsi que Untitled (Face in Dirt) a le statut d’une œuvre de David Wojnarowicz réalisée par lui avec l’aide de Marion Scemama, « choisie » pour prendre l’image, mais qu’il en a seul pris contrôle, responsabilité, et crédit. C’est une œuvre avec un seul auteur, conclut-elle.
Certes. Cela peut être vrai techniquement, juste juridiquement, et avéré au regard de l’histoire de l’art canonique, celle qu’on délivre encore dans les universités et les musées. Mais on ne peut pas complètement renier l’historiographie féministe qui, depuis Linda Nochlin, en 1971, associe l’unicité de l’auteur, son originalité et sa responsabilité à une conception patriarcale de la création, et fait donc l’objet d’une critique radicale. Depuis aussi que Simon Schaffer et Steven Shapin ont écrit leur fameux Léviathan et la pompe à air, montrant que, dans le projet expérimental moderne, une « technologie » sociale est à l’œuvre – l’espace du laboratoire : la « signature matérielle des collaborateurs·trices » –, doit-on souscrire encore complètement à cette version ? Pour prendre un exemple, l’attribution à Claude Cahun de ses autoportraits a été l’objet de vifs débats jusqu’à l’adoption par certains musées et collections d’une double signature : Claude Cahun et Marcel Moore. Parce que la seconde (Suzanne Malherbe, dite Marcel Moore) faisait la photo, réalisait effectivement les autoportraits de la première. Peut-être l’une avait elle toutes les idées ? Peu importe. Il s’agissait d’une collaboration affective, émotionnelle, amoureuse entre deux femmes, Lucie Schwob et Suzanne Malherbe. Elles ont vécu et travaillé ensemble pendant presque quarante ans, jusqu’à la mort de la première. La recon-naissance d’une relation non hétérosexuelle représente ici un pivot. C’est le cas aussi pour David Wojnarowicz et Marion Scemama, dont l’histoire n’est ni hétérosexuelle ni homosexuelle. Probablement, si on la situe en dehors de cette binarité, c’est là que passe cet amour-là (je fais ici référence au livre de Yann Andréa, Cet amour-là. L’histoire d’amour que lui, homme homosexuel, choisit de vivre durant seize ans avec Marguerite Duras).

A Slow Boat to China. 

by Sara Nadal-Melsió (extract)

Nay, here in these our verses,
Elements many, common to many words,
Thou seest, though yet ’tis needful to confess
The words and verses differ, each from each,
Compounded out of different elements—
Not since few only, as common letters, run
Through all the words, or no two words are made,
One and the other, from all like elements,
But since they all, as general rule, are not
The same as all.

Lucretius, De rerum natura/On the Nature of Things. Ed. William Ellery Leonard. London: Dent/New York: Dutton, 1916

Immersions

Carl Jung once described James Joyce and his daughter Lucia’s exploration into the edges of subjectivity and language as “two people going to the bottom of a river, one falling and the other diving.” Glenn Ligon is most certainly a diver, one whose artistic output takes the form of an immersion into the liquidity of language, an exploration of the intimate connection between difference and impenetrability, and finds its expression primarily, but by no means exclusively, in painting as a medium.1 Thus, Ligon’s soundings are invested in equal measure, and simultaneously, in the textualization of color through saturation and in the materialization of the textual, a back and forth that punctuates the movement between reading and painting as speculative forms of autography. Furthermore, the material narrative inscribed in the texture of the canvas, paper or linen reveals itself as a hermeneutic of reading, which in turn becomes a painting against words, a lucid disassociation that probes the limits of painting as a medium as well as of the textual beyond the legibility of the letter.